0 RSS-лента RSS-лента

Все о живописи

Автор блога: Сергей Ходоренко-Затонский
ИСТОРИЯ Изобразительного искусства
Живопись — это один из основных видов изобразительного искусства; представляет собой художественное изображение предметного мира цветными красками на поверхности. Живопись подразделяют на: станковую, монументальную и декоративную.

Станковая живопись — в основном представлена работами, выполненными масляными красками на холсте (картоне, деревянных досках или оголите). Представляет собой самый массовый вид живописи. Именно этот вид обычно и применяют к термину "живопись". Монументальная живопись — это техника рисования на стенах при оформлении зданий и архитектурных элементов в зданиях. Особенно распространена в Европе фреска - монументальная живопись по сырой штукатурке водорастворимыми красками. Эта техника рисования хорошо известна ещё со времён античности. Позже, такая техника использована при оформлении многих христианских религиозных храмов и их сводов. Декоративная живопись — (от латинского слова от decoro - украшать) это способ рисования и нанесения изображений на предметы и детали интерьера, стены, мебель и другие декоративные предметы. Относится к декоративно-прикладному искусству.

Возможности живописного искусства особенно ярко раскрывает станковая живопись с 15 века, с момента массового использования масляных красок. Именно в ней доступно особое многообразие содержания и глубокой разработанности формы. В основе живописных художественных средств лежат цвета (возможности красок), в неразрывном единстве со светотенью, и линия; цвет и светотень разработаны и развиты техниками живописи с полнотой и яркостью, недоступной другим видам искусства. Этим обусловлено присущее реалистической живописи совершенство объёмной и пространственной моделировки, живая и точная передача действительности, возможности реализации задуманных художником сюжетов (и способов построения композиций) и другие изобразительные достоинства.

Ещё одним отличием в различиях видов живописи является техники исполнения по разновидностям красок. Не всегда достаточно общих признаков для определения. Границу между живописью и графикой в каждом отдельном случае: например, произведения, выполненные акварелью или пастелью, могут относиться и к той и к другой области, в зависимости от подхода художника и поставленных им задач. Хотя рисунки на бумаге и относятся к графике, применение различных техник рисования красками иногда стирает различия между живописью и графикой.

Необходимо учитывать, что сам семантический термин "живопись" является словом русского языка. Оно взято для использования как термин в период формирования в России изобразительного искусства в эпоху барокко. Использование слова "живопись" в то время применялось только к определённому виду реалистичного изображения красками. Но изначально оно происходит от церковной техники рисования икон, в которой использовано слово "писать" (относящееся к письменности) потому, что это слово является переводом значения в греческих текстах (вот такие "трудности перевода"). Развитие в России собственной художественной школы и наследование европейских академических знаний в области искусства, развило область применения русского слова "живопись", вписав его в образовательную терминологию и литературный язык. Но в русском языке так и образовалась особенность значения глагола "писать" в отношении письменности и рисования картин. Жанры живописи
В ходе развития изобразительного искусства сформировались несколько классических жанров картин, которые обрели свои особенности и правила. Портрет — это реалистичное изображение человека, в котором художник пытается добиться сходства с оригиналом. Один из самых популярных жанров живописи. Большинство заказчиков использовали талант художников, чтобы увековечить собственное изображение или, желая получить изображение близкого человека, родственника и т.п. Заказчики стремились получить портретное сходство (или даже приукрасить его) оставив в истории зрительное воплощение. Портреты различных стилей являются самой массовой частью экспозиции большинства художественных музеев и частных коллекций. Данный жанр включает в себя и такую разновидность портрета, как автопортрет — изображение самого художника, написанное им самим. Пейзаж — один из популярных живописных жанров, в котором художник стремится отобразить природу, её красоту или особенность. Различные виды природы (настроение времени года и погоды) оказывают яркое эмоциональное влияние на любого зрителя - это психологическая особенность человека. Стремление получить эмоциональное впечатление от пейзажей сделало этот жанр одним из самых популярных в художественном творчестве. Архитектурная живопись — этот жанр во многом похож на пейзаж, но имеет ключевую особенность: на картинах изображаются пейзажи с участием архитектурных объектов, зданий или городов. Особое направление - уличные виды городов, передающие атмосферу места. Ещё одним направлением этого жанра является изображение красоты архитектуры конкретного здания - его внешнего вида или изображения его интерьеров. Историческая живопись — жанр, в котором основным сюжетом картин является историческое событие или его интерпретация художником. Что интересно - к этому жанру относится огромное количество картин на библейскую тему. Так как в средневековье библейские сюжеты считались "историческим" событиями и основными заказчиками этих картин была церковь. "Исторические" библейские сюжеты присутствуют в творчестве большинства художников. Второе рождение исторической живописи происходит во времена неоклассицизма, когда художники обращаются к известным историческим сюжетам, событиям из времён античности или национальным легендам. Батальная живопись — отражает сцены войн и сражений. Особенностью является не только желание отразить историческое событие, но и донести зрителю эмоциональное возвышение подвига и героизма. В последующем, этот жанр становится ещё и политическим, позволяя художнику доносить зрителю свой взгляд (своё отношение) на происходящее. Подобный эффект политического акцента и силу таланта художника мы можем видеть в творчестве В. Верещагина. Натюрморт — это жанр живописи с композициями из неодушевлённых предметов, с использованием цветов, продуктов, посуды. Этот жанр один из самых поздних и сформировался в голландской школе живописи. Возможно, его появление вызвано особенностью голландской школы. Экономический расцвет 17 века в Голландии привёл к стремлению к доступной роскоши (картинам) у значительного количества населения. Эта ситуация привлекла в Голландию большое количество художников, вызвав острую конкуренцию среди них. Бедным художникам были недоступны модели и мастерские (люди в соответствующих одеждах). Рисуя картины на продажу, они использовали подручные средства (предметы) для композиций картин. Эта ситуация в истории голландской школы является причиной развития жанровой живописи. Жанровая живопись — сюжетом картин являются бытовые сцены повседневной жизни или праздников, обычно - с участием простых людей. Так же как и натюрморт, получает распространение у художников Голландии в 17 веке. В период романтизма и неоклассицизма этот жанр обретает новое рождение, картины стремятся не столько отразить повседневный быт, сколько романтизировать его, внести в сюжет определённый смысл или мораль. Марина — вид пейзажа, в котором изображаются морские виды, прибрежные пейзажи с видом на море, восходы и закаты на море, корабли или даже морские сражения. Хотя существует и отдельный батальный жанр, но морские сражения всё равно относятся к жанру "марина". Развитие и популяризация этого жанра также можно отнести к голландской школе 17 века. Пользовался популярностью в России благодаря творчеству Айвазовского. Анималистическая живопись — особенностью этого жанра является создание реалистичных картин, изображающих красоту животных и птиц. Одной из интересных особенностей этого жанра является наличие картин, изображающих несуществующих или мифических животных. Художники, которые специализирующиеся на изображениях животных называются анималистами. История живописи
Потребность в реалистичном изображении существовала с древнейших времён, но имела ряд недостатков из-за отсутствия технологий, систематизированной школы и образования. В древности чаще можно встретить примеры прикладной и монументальной живописи с техникой рисования по штукатурке. Во времена античности, большее значение придавалось таланту исполнителя, художники были ограничены в технологии изготовления красок и возможности получить систематизированное образование. Но уже в античности сформировались специализированные знания и труды (Витрувий), которые будут основой нового расцвета европейского искусства в эпоху Возрождения. Декоративная живопись получала существенное развитие во времена греческой и римской античности (школа утеряна в средние века) уровень которой был, достигнут только после 15 века. "Тёмные века" средневековья, воинствующее христианство и инквизиция приводят к запретам на изучение художественного наследия античности. Огромный опыт античных мастеров, знания в области пропорций, композиции, архитектуры и скульптуры оказываются под запретом, а многие художественные ценности уничтожаются из-за их посвящения античным божествам. Возвращение к ценностям искусства и науки в Европе происходит только в период Ренессанса (возрождения).

Художникам раннего Ренессанса (возрождения) приходится навёрстывать и возрождать достижения и уровень античных художников. То, чем мы восхищаемся в работах художников раннего Возрождения, было уровнем мастеров Рима. Наглядный пример потери нескольких веков развития европейского искусства (и цивилизации) в период "тёмных веков" средневековья, воинствующего христианство и инквизиции - разница между этими картинами 14 веков! Возникновение и распространение технологии изготовления масляных красок и техники рисования ими в 15 веке порождает развитие станковой живописи и особый вид продукции художников - цветные картины масляными красками на грунтованном холсте или дереве.

Огромный скачок в качественном развитии живопись получает в эпоху Ренессанса, во многом благодаря труду Леона Баттиста Альберти (1404-1472 гг.). Он впервые изложил основы перспективы в живописи (трактат "О живописи" 1436 г.). Ему (его трудам по систематизации научных знаний) европейская художественная школа обязана появлению (возрождению) реалистичной перспективы и естественности пропорций в картинах художников. Знаменитый и знакомый многим рисунок Леонардо да Винчи "Витрувианский человек" (пропорции человека) 1493 года, посвящённый систематизации античных знаний Витрувия о пропорциях и композиции, был создан Леонардо на полвека позже трактата Альберти "О живописи". И труд Леонардо является продолжением развития европейской (итальянской) художественной школы Эпохи Ренессанса.

Но яркое и массовое развитие живопись получила, начиная с 16-17 веков, когда стала распространенной техника масляной живописи, появились различные технологии изготовления красок и сформировались школы живописи. Именно система знаний и художественного образования (техника рисования), в сочетании со спросом на произведения искусства у аристократии и монархов приводит к бурному расцвету изобразительного искусства в Европе (период барокко).

Неограниченные финансовые возможности европейских монархий, аристократии и предпринимателей стали прекрасной почвой для дальнейшего развития живописи в 17-19 веках. А ослабление влияния церкви и светский образ жизни (помноженные на развитие протестантизма) позволили родиться множеству сюжетов, стилей и направлений в живописи (барокко и рококо).

В ходе развития изобразительного искусства, художниками сформировано множество стилей и техник, которые приводят к высочайшему уровню реализма в произведениях. К концу 19 века (с приходом модернистских течений) в живописи начинаются интересные трансформации. Доступность художественного образования, массовая конкуренция и высокие требования к мастерству художников у публики (и покупателей) порождают новые направления в способах выражения. Изобразительное искусство уже не ограничено только уровнем техники исполнения, художники стремятся внести в произведения особые значения, способы "взгляда" и философию. Что часто идёт в ущерб уровню исполнения, становится спекуляцией или способом эпатажа. Разнообразие возникающих стилей, оживлённые обсуждения и даже скандалы порождают развитие интереса к новым формам живописи.

Современные компьютерные (цифровые) технологии рисования относятся к графике и не могут называться живописью, хотя многие компьютерные программы и оборудование позволяют полностью повторять любые техники рисования красками.
Стили и направления живописи
Существует огромное разнообразие стилей и направлений в изобразительном искусстве. Часто они не имеют четко выраженных границ и плавно переходят из одного в другой, находясь в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий и т.д. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает. У нас вы можете заказать портрет по фотографии на холсте.

АБСТРАКЦИОНИЗМ АБСТРАКЦИОНИЗМ (произошло от лат. abstractio - удаление, отвлечение) - направление искусства, отказавшееся от приближенного к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма - достижение гармонии, создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (1866-1944), Пабло Пикассо (1881-1973).
АВАНГАРДИЗМ АВАНГАРДИЗМ (произошло от фр. avant-garde - передовой отряд) - совокупность экспериментальных, модернистских, подчеркнуто необычных, поисковых начинаний в искусстве 20 века. Авангардными направлениями являются: фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм, акционизм, поп-арт, концептуальное искусство.
АКАДЕМИЗМ АКАДЕМИЗМ (от фр. academisme) - направление в европейской живописи XVI-XIX веков. Основывалось на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризововали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и эпохи Возрождения. Академизм восполнял в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. В этом стиле писали Аннибале, Агостино и Лодовико Карраччи.
АКЦИОНИЗМ АКЦИОНИЗМ (от англ. action art - искусство действия) - хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации и ряд других форм возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов. В соответствии с идеологией акционизма художник должен заниматься организацией событий, процессов. Акционизм стремится стереть грань между искусством и действительностью. Наиболее известный представитель акционизма - Джексон Поллок.
АЛЛА ПРИМА АЛЛА ПРИМА (аля прим) (произошло от итал. alla prima - в первый момент) - разновидность техники масляной живописи, предусматривающая выполнение картины (или её фрагмента) за один сеанс, без предварительных прописок и подмалевка.
АМПИР АМПИР (произошло от франц. empire - империя) - стиль в архитектуре и декоративном искусстве возникший во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Ампир - финал развития классицизма. Для воплощения величества, изысканности, роскоши, мощи и воинской силы Ампиру характерно обращение к античному искусству: дрепнеегипетским декоративным формам (военные трофеи, крылатые сфинксы...), этрусским вазам, помпейской росписи, греческому и римскому декору, ренессансных фрескам и орнаментам. Главным представителем этого стиля былЖ.Л.Давид (картины "Клятва Горациев" (1784), "Брут" (1789))
АНИМАЛИСТИКА АНИМАЛИСТИКА (произошло от лат. animal - животное) - жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются животные.
АППЛИКАЦИЯ АППЛИКАЦИЯ (произошло от лат. applicatio - прикладывание) - способ создания орнаментов, изображений путём наклеивания на холст разноцветных кусочков какого-либо материала.
АНАХРОНИЗМ АНАХРОНИЗМ (от греч. ana - обратно и hronos - время), другое название - гиперманьеризм - одно из направлений постмодернизма, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого. Анахронизм возник в конце 1970-х гг. в Италии, позднее и во Франции. Мастера анахронизма: Карло Мария Мариани, Омар Галлиани, Луиджи Онтани, Стефано ди Стасио, Убальдо Бартолини, Антонио Аббате, Жан Гаруй.
АНДЕГРАУНД АНДЕГРАУНД (от англ. underground - подполье, подземелье) - ряд художественных направлений в современном искусстве, противопоставляющих себя массовой культуре, мейнстриму. Андеграунд отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. В советский период в силу строгости режима почти всякое неофициальное, т.е. не признанное властями, искусство оказывалось андеграундом.
АРТЕ ПОВЕРА АРТЕ ПОВЕРА (от ит. arte povera - бедное искусство) - художественное направление, объединившее художников из Рима, Турина, Милана и Генуи во второй половине XXв. Художники арте повера визуализировали диалог между природой и индустрией, используя промышленные или нехудожественные материалы, хотели освободить творчество от ограничений традиционных форм искусства и художественного пространства, а также играли с политическим измерением индустриальных материалов. Движение стало заметным явлением на международной арт-сцене, находясь в противостоянии и диалоге с минимализмом в Америке, который также использовал индустриальные материалы. С точки зрения художников арте повера, минимализм занимался аспектами формы и не затрагивал поэтические, политические и исторические проблемы, которые были важны для арте повера. Арте повера не было объединением художников, имеющим свой манифест. Это было прежде всего движение, которое при помощи куратора и критика было признано и классифицировано в своей совокупности.
АР НУВО АР НУВО (от фр. art nouveau, буквально - новое искусство) - распространённое во многих странах (Бельгия, Франция, Англия, США и др.) название стиля модерн. Самый известный художник этого направления живописи: Альфонс Муха.
АРТ ДЕКО АРТ ДЕКО (от фр. art deco, сокр. от decoratif)- направление в искусстве в середине 20 века, обозначившее синтез авангарда и неоклассицизма, пришло на смену конструктивизму. Отличительные признаки этого направления: усталость, геометрические линии, роскошь, шик, дорогие материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа). Самым известным художником этого направления является Тамара де Лемпицка(1898-1980).
АЭРОГРАФИЯ
АЭРОГРАФИЯ - техника живописного письма аэрографом (в переводе воздушная кисть - прибор для тонкого распыления краски сжатым воздухом) по трафарету.

БАРОККО
БАРОККО (произошло от итал. barocco - странный, причудливый или от порт. perola barroca - жемчужина неправильной формы, существуют и другие предположения о происхождении этого слова) - художественный стиль в искусстве позднего Возрождения. Отличительные признаки этого стиля: преувеличенность размеров, изломанность линий, обилие декоративных подробностей, тяжесть и колоссальность.
БИДЕРМЕЙЕР БИДЕРМЕЙЕР (от нем. biedermeier - простодушный, обывательский) - направление в немецком и австрийском искусстве, распространённое в 1815-1848 годах. Стиль является ответвлением романтизма, пришедшего на смену ампиру, поэтому его иногда называют смесь ампира с романтизмом. В бидермейере формы стиля ампир преобразовывались в духе интимности и домашнего уюта. Для стиля характерно тонкое, тщательное изображение интерьера, природы и бытовых деталей. Представители бидермейера в живописи: Г. Ф. Керстинг, Людвиг Рихтер, Карл Шпицвег, Мориц фон Швинд и Фердинанд Вальдмюллер.
Батальный
БАТАЛЬНЫЙ ЖАНР (произошло от фр. bataille - битва) - жанр изобразительного искусства, в котором изображаются темы войны: сражения, военные походы.
БЫТОВОЙ ЖАНР
БЫТОВОЙ ЖАНР (жанровая живопись) - жанр изобразительного искусства, в котором изображаются обыденные сцены из повседневной жизни человека без прикрас.
ВАНИТАС ВАНИТАС (от лат. vanitas, букв. - «суета, тщеславие») - жанр живописи эпохи барокко, аллегорический натюрморт, композиционным центром которого традиционно является человеческий череп. Подобные картины, ранняя стадия развития натюрморта, предназначались для напоминания о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти. Наибольшее распространение получил во Фландрии и Нидерландах в XVI и XVII веках, отдельные примеры жанра встречаются во Франции и Испании.
ВЕДУТА ВЕДУТА - жанр Венецианской живописи 18 века, в котором изображается городской пейзаж в виде панорамы, с соблюдением масштаба и пропорций. Великий представитель этого стиля в живописи - венецианский художник Каналетто (1697-1768). В России родоначальником архитектурной ведуты были живописцыФ.Я.Алексеев, М.Н.Воробьёв, С.Ф.Щедрин.
ВЕРИЗМ ВЕРИЗМ (от итал. il verismo, от слова vero - истинный, правдивый) - реалистическое направление в итальянском изобразительном искусстве конца XIX века. Термин возник в XVII веке, употреблялся в изобразительном искусстве и обозначал реалистическую струю в живописи барокко. Затем термин возрождается во второй половине XIX века, являясь обозначением (весьма неопределёнными расплывчатым) реалистического и натуралистического направления в итальянском искусстве. Самыми известными художниками этого направления являютсяДж. Фаттори, С. Лега, Т. Синьрини, О. Боррани, В. Кабьянка,Дж. Аббати и др.
ВОЗРОЖДЕНИЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ, или РЕНЕССАНС (от фр. renaissance, итал.rinascimento) - эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи - XIV-XVI века. Отличительная черта эпохи возрождения - светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» - так и появился термин. Рисуя картины традиционной религиозной тематики, художники начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Наиболее известные художники этого периода: Сандро Боттичелли (1447-1515),Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэль Санти (1483-1520),Микеланджело Буонарроти (1475-1564), Тициан (1477-1576),Антонио Корреджо (1489-1534), Иероним Босх (1450-1516),Альбрехт Дюрер (1471-1528).
ГЕОМЕТРИЧЕСКИЙ АБСТРАКЦИОНИЗМ ГЕОМЕТРИЧЕСКИЙ АБСТРАКЦИОНИЗМ - вид абстрактного искусства, композиции которого построены из ограниченного набора правильных форм и основных цветов.
ГИПЕРРЕАЛИЗМ
ГИПЕРРЕАЛИЗМ, ФОТОРЕАЛИЗМ, СУПЕРРЕАЛИЗМ - стиль в живописи и скульптуре, основанный на фотореализации объекта. Гиперреализм возник в США в середине 20 века. Главная цель гиперреализма показать действительность.
ГОРОДСКОЙ ПЕЙЗАЖ
ГОРОДСКОЙ ПЕЙЗАЖ (архитектурный пейзаж) - жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются городские улицы, здания.

Готика ГОТИКА (произошло от итал. gotico - непривычный, варварский) - период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.
Графика ГРАФИКА - искусство изображения предметов контурными линиями и штрихами. Иногда в графике допускается применение цветных пятен, но здесь они играют вспомогательную роль.
ГРИЗАЙЛЬ ГРИЗАЙЛЬ (произошло от фр. grisaille, от gris - серый) - вид декоративной живописи, выполняемой в разных оттенках какого-либо одного цвета (чаще серого). Гризайль применяется с 17 века, широко распространена в росписях интерьеров классицизма, главным образом как имитация скульптурного рельефа.
ДАДАИЗМ ДАДАИЗМ (произошло от фр. dadaisme, dada - деревянная лошадка; в переносном смысле - бессвязный детский лепет) - модернистское литературно-художественное течение 1916-1922 годов, для которого характерны сознательный иррационализм и демонстративный антиэстетизм. Зародился во время Первой мировой войны в Цюрихе (Швейцария), как реакция на последствия войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Исходя из этого, дадаисты считали, что современную европейскую культуру необходимо уничтожить через разложение искусства. Самые известные дадаисты: Ханс Арп (1886-1966), Марсель Дюшан (1887-1968),Макс Эрнст (1891-1976), Филипп Супо (1897-1990), Тристан Тцара (1896-1963).
ДЕКОРАТИВНАЯ ЖИВОПИСЬ
ДЕКОРАТИВНАЯ ЖИВОПИСЬ - живопись, созданная с целью украшения интерьера или дополнения к дизайну помещения.
ДИВИЗИОНИЗМ ДИВИЗИОНИЗМ (от франц. division - разделение), пуантилизм - направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле:Жорж Сёра (1859 - 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954), Камиль Писсарро, Люсьен Писсарро, Анри Эдмон Кросс, Шарль Теофил Ангран, Максимилиан Люс,Ипполит Птижан, Жорж Леммен, Тео Ван Риссельберге,Джованни Сегантини, Николай Мещеряков.
ИМПРЕССИОНИЗМ
ИМПРЕССИОНИЗМ (от фр. impression - впечатление) - направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Самые известные художники этого направления живописи: Мане, Ренуар, Сезанн,Дега, Моне, Писсарро.
КАРАВАДЖИЗМ КАРАВАДЖИЗМ - стиль европейской живописи эпохи барокко, появившийся в Риме в конце XVI века. Основоположником этого стиля считается Караваджо. Караваджо оказал огромное влияние на развитие европейской реалистической живописи.
Революция Караваджо в области формы и иконографии живописи явилась результатом радикального изменения отношений между художником и внешним миром. Для караваджизма характерны: демократизм художественных идеалов; интерес к непосредственному воспроизведению натуры; драматизация изображения с помощью контрастов света и тени; стремление передать ощущение осязаемой материальности предметов; крупные планы; монументализация жанровых мотивов; бытовая трактовка религиозных и мифологических сюжетов.
КИТЧ КИТЧ, кич (от нем. kitsch - безвкусица) - термин, обозначающий одно из наиболее одиозных явлений массовой культуры, синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. По сути, китч - разновидность постмодернизма. Китч - это массовое искусство для избранных. Произведение, принадлежащее к китчу, должно быть сделано на высоком художественном уровне, в нем должен быть увлекательный сюжет, но это не настоящее произведение искусства в высоком смысле, а искусная подделка под него. В китче могут быть глубокие психологические коллизии, но там нет подлинных художественных открытий и откровений.
КЛАССИЦИЗМ КЛАССИЦИЗМ (произошло от лат. classicus - образцовый) - художественный стиль и эстетическое направление в европейской литературе и искусстве 17 - начала 19 вв., одной из важных черт которых являлось обращение к образам и формам античной литературы и искусства, как идеальному эстетическому эталону. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым, обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное и неизменное. В каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства.
КЛУАЗОНИЗМ КЛУАЗОНИЗМ (от фр. cloison - перегородка) - термин, перенесенный в живопись из прикладного искусства. Суть данной системы заключается в том, что все полотно разделяется на несколько плоскостей разного цвета в соответствии с изображаемыми фигурами или предметами. Каждая из этих плоскостей очерчивается причудливо изгибающейся широкой контурной линией, как в витражах свинцовыми перегородками. Главная роль в клуазонизме отводится чистым контрастным цветам, которые придают живописной плоскости особый декоративный эффект, поднимая линию горизонта и разрушая привычную перспективу натурного пространства. Фигуры уплощаются и становятся похожими на тени. Эта манера письма разработана Эмиль Бернаром и Л.Анкетеном в 1887 г.
КОНСТРУКТИВИЗМ КОНСТРУКТИВИЗМ - направление в советском искусстве 20-х гг. ХХ в. Сторонники конструктивизма, выдвинув задачу конструирования окружающей среды, активно направляющей жизненные процессы, стремились осмыслить формообразующие возможности новой техники, ее логичных, целесообразных конструкций, а также эстетические возможности таких материалов, как металл, стекло, дерево. Показной роскоши конструктивисты стремились противопоставить простоту и подчеркнутый утилитаризм новых предметных форм, в чем они видели овеществление демократичности и новых отношений между людьми.
КОСМИЗМ КОСМИЗМ (от греч. kosmos - организованный мир, kosma - украшение) - художественно-философское мировоззрение, в основе которого располагается знание о Космосе и представление о человеке как о гражданине Мира, а также о микрокосмосе, подобном Макрокосмосу. Космизм связан с астрономическими знаниями о Вселенной.
КУБИЗМ КУБИЗМ (от фр. cubisme, произошло от cube - куб) - модернистское направление в живописи начала ХХ века, которое выдвинуло на первый план формальную задачу конструирования объёмной формы на плоскости, сведя к минимуму изобразительно-познавательные функции искусства. Слово "кубисты" было употреблено в 1908 и 1909 французским критикомЛ. Воселем как насмешливое прозвище группы художников, изображавших предметный мир в виде комбинации геометрических тел или фигур. Самый известный художник этого направления живописи: Пабло Пикассо (1881-1973).
КУБОФУТУРИЗМ КУБОФУТУРИЗМ - направление в искусстве авангарда в начале ХХ века, соединившее в себе наработки итальянских футуристов и французских кубистов.
Самые известные художники кубофутуризма: Казимир Малевич,Давид Бурлюк, Иван Клюин, Александра Экстер, Наталья Гончарова, Надежда Удальцова, Любовь Попова, Ольга Розанова, Иван Пуни.
ЛОУБРОУ ЛОУБРОУ АРТ, ПОП-СЮРРЕАЛИЗМ (от англ. lowbrow - малообразованный, непритязательный) - направление в изобразительном искусстве, возникшее в Лос-Анджелесе в конце 1970-х годов. На становление лоуброу арта повлияли панк-музыка, поп-искуссство и другие субкультуры. У истоков движения стояли подземные карикатуристы Роберт Уильямс и Гэри Пэнтер, и художники Гэри Байсмэн и Тим Бискуп.)
ЛУЧИЗМ ЛУЧИЗМ - живописное направление в русском искусстве 1910-х гг. Придумали этот стиль М. Ф. Ларионов и Н.С. Гончарова.
Лучизм это абстрактное искусство, основанное на вмещение световых спектров и светопередачи.
МАНЬЕРИЗМ
МАНЬЕРИЗМ (от итал. manierismo, от maniera - манера, стиль) - стиль в искусстве, основанный на усвоении манеры какого-нибудь большого мастера или определенной художественной школы.

МЕТАРЕАЛИЗМ МЕТАРЕАЛИЗМ (произошло от греч. meta - между, после, через и геalis - вещественный, действительный) - реализм многих реальностей, связанных непрерывностью метаболических превращений и перемен состояний. Есть реальность, открытая зрению муравья, и реальность, открытая блужданию электрона, и реальность, свёрнутая в математическую формулу. Метареальный образ, метаморфоза, метабола - способ взаимосвязи всех этих реальностей, утверждение их растущего единства.
МИЗЕРАБИЛИЗМ МИЗЕРАБИЛИЗМ (от фр. miserable - несчастный) - направление изобразительного искусства, зародившееся во Франции после 1940-х годов. В рамках данного направления, на первое место выносятся принципы фигуративности, сюжетно-драматическое начало в живописи и графике, с подчеркиванием трагической обреченности, «покинутости» человека в мире. Основоположником мизерабилизма считается Франсис Грюбер.
МИНИМАЛИЗМ МИНИМАЛИЗМ (произошло от англ. minimal art - минимальное искусство) - художественное течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства. Минимализм возник в США в первой половине 60-х гг. Среди наиболее репрезентативных минималистов: К. Андре, М. Бочнер,У. Де Мариа, Д. Флэвин, С. Ле Витт, Р. Мэнголд, Б. Мэрден, Р. Моррис, Р. Раймэн.
МОДЕРН МОДЕРН (произошло от фр. moderne - новейший, современный) - cтиль в европейском и американском иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Модерн переосмысливал и стилизовал черты искусства разных эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax асимметрии, орнаментальности и декоративности. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, природных линий. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa - oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, напоминающих pacтитeльныe фopмы. Художники, писавшие в стиле модерн: Поль Гоген (1848-1903), Густав Климт (1862-1918).
МОДЕРНИЗМ МОДЕРНИЗМ (произошло от итал. modernismo - «современное течение») - общее название направлений искусства и литературы конца 19-20 века: кубизм, дадаизм, сюрреализм, модерн, футуризм, экспрессионизм, абстрактное искусство, функционализм, неоимпрессионизм, постимпрессионизм и т. п.
НАТЮРМОРТ НАТЮРМОРТ (в переводе с фр. - мертвая, неодушевленная натура) - это художественное изображение различных предметов быта. Ими могут быть: посуда, домашняя утварь, фрукты, овощи, цветы, дичь или любое их сочетание. Самые известные школы в написание натюрморта - фламандская и голландская, в которых по-своему решили задачу передачи цвета и композиции.
НАИВ НАИВНОЕ ИСКУССТВО, НАИВ - изобразительные виды народного искусства; творчество художников-самоучек; а также самодеятельное искусство.
НАТУРАЛИЗМ НАТУРАЛИЗМ (произошло от лат. naturalis - природный) - направление в литературе и искусстве последней трети 19 века, стремившееся к объективно точному и бесстрастному воспроизведению наблюдаемой реальности. Считается, что натурализм воспроизводит реальность без ее идейного осмысления, художественного обобщения, критической оценки и отбора.
НЕОКЛАССИЦИЗМ НЕОКЛАССИЦИЗМ, Де Стиль - термин, обозначающий художественные явления последней трети XIX-XX вв., которым присуще обращение к традициям античного искусства, искусства эпохи Возрождения или классицизма. Возникновение неоклассицизма обусловлено стремлением противопоставить некие "вечные" эстетические ценности тревожной и противоречивой реальности. Самый известный художник этого направления живописи: Адольф Вильям Бугро (1825-1905)
НЕОПЛАСТИЦИЗМ НЕОПЛАСТИЦИЗМ - одна из ранних разновидностей абстрактного искусства. Создан к 1917 году нидерландским живописцем П. Мондрианом и др. художниками входившими в объединение "Стиль". Для неопластицизма характерно, по словам его создателей, стремление к "универсальной гармонии", выразившееся в строго уравновешенных комбинациях крупных прямоугольных фигур, четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета и окрашенных в локальные цвета основного спектра (с добавлением белого и серого тонов).
НЕОРЕАЛИЗМ - художественное направление, получившее развитие в изобразительном искусстве в середине XX века в ряде стран Европы и в США, представители которого на фоне модернистского искусства провозгласили возврат к реалистическим ценностям традиционных изобразительных форм.
НЕОЭКСПРЕССИОНИЗМ НЕОЭКСПРЕССИОНИЗМ - направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970-х и доминировало на арт-рынке до середины 1980-х. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970-х. Неоэкспрессионисты вернулись к образности, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам.
НЮ НЮ (произошло от фр. nu - нагой, раздетый) - один из жанров изобразительного искусства, посвященный изображению нагого тела, преимущественно женского. В своём развитии ню тесно связан с изображением обнажённого человеческого тела и воплощает идеал красоты данной страны и эпохи. Ню зарождается в эпоху Возрождения в рамках мифологического, аллегорического, исторического и бытового жанров. Формирование ню как жанра происходит в 17 веке с распространением идей сенсуализма: изображения нагого тела проникаются откровенно чувственным началом.
ОП-АРТ ОП-АРТ (от англ. ор art, сокращение от optical art - оптическое искусство) - неоавангардистское течение в изобразительном искусстве, одна из поздних модификаций абстрактного искусства. В оп-арте эффекты пространственного перемещения, слияния и "парения" форм достигались введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий.
ОРФИЗМ ОРФИЗМ (от фр. orphisme, от Orpһée - Орфей) - направление во французской живописи 1910-х гг. Название дано в 1912 французским поэтом Аполлинером живописи художника Робер Делоне. Орфизм связан с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом. Основные особенности живописи этого стиля эстетизм, пластичность, ритмичность, изящество силуэтов и линий.
Мастера орфизма: Робер Делоне, Соня Терк-Делоне,Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел.
ПАРСУНА ПАРСУНА (искаженное лат. persona - личность, особа) - первоначально синоним современного понятия портрет вне зависимости от стиля, техники изображения, места и времени написания. Понятие парсуна в значении произведения переходного периода от иконописи к светской портретной живописи предложено И.М. Снегирёвым в 1854 году.
ПАСТОРАЛЬ ПАСТОРАЛЬ (произошло от фр. pastorale, пастушеский, сельский) - жанр поэтизирующий мирную и простую сельскую жизнь.
ПРИМИТИВИЗМ ПРИМИТИВИЗМ - стиль живописи, зародившийся в XIX-XX веках. Примитивисты намеренно упрощали картину, делая её формы примитивными, как народное искусство, творчество ребенка или первобытного человека. Основное отличие от наивного искусства: наив - живопись непрофессионалов, а примитивизм - стилизованная живопись профессионалов. Самыми известными художниками этого направления являются Марк Шагал, Нико Пиросмани.
ПОП-АРТ ПОП-АРТ (произошло от англ. popular art - популярное, общедоступное искусство или от pop - отрывистый звук, лёгкий хлопок) - буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект - неоавангардистское направление в изобразительном искусстве. Поп арт получил распространение со 2-й половины 1950-х гг. в США. Художники этого направления воспроизводят буквально типичные предметы современного быта (вещи домашнего обихода, упаковку товаров, фрагменты интерьеров, детали машин...), популярные печатные изображения известных личностей, вырезки из газет или включают эти предметы и изображения в композиции. Отличительная черта поп-арта - сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или бесценно, одинаково красиво или безобразно, одинаково достойно или недостойно. Самые известные художники поп арта: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг и Энди Уорхол.
ПОРТРЕТ ПОРТРЕТ (произошло от фр. слова portrait) - это художественное изображение человека с передачей его внутреннего мира. Делится на индивидуальный, групповой, парадный, автопортрет.
ПОСТИМПРЕССИОНИЗМ ПОСТИМПРЕССИОНИЗМ (произошло от фр. postimpressionisme, от лат. post - после и импрессионизм) - совокупность направлений, возникших во французском искусстве во второй половине 1980-х годов и пришедших на смену импрессионизму. Началом постимпрессионизма принято считать середину 1880-х, когда состоялась последняя выставка импрессионистов и был опубликован Манифест символизма (1886) поэта Жана Мореаса. Новые течения декларировали неприятие эстетики импрессионизма и реализма. Их объединяла готовность передавать в картинах не сиюминутные, но длительные, сущностные состояния жизни, как материальные, так и духовные. Поиски шли различными путями: это и пуантилизм (Жорж Сёра,Поль Синьяк), и символизм Поля Гогена.
ПОСТМОДЕРНИЗМ ПОСТМОДЕРНИЗМ (произошло от фр. postmodernisme - после модернизма) - новый художественный стиль, отличающийся от модернизма возвратом к красоте вторичной реальности, повествовательности, обращением к сюжету, мелодии, гармонии вторичных форм. Для постмодернизма характерно заимствование из разных эпох, регионов и субкультур стилей, образных мотивов и художественных приемов.
ПРЕРАФАЭЛИТИЗМ ПРЕРАФАЭЛИТИЗМ (произошло от англ. pre перед и raphaelitism - Рафаэль) - эстетико-мистическое направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX в, образовавшееся в начале 50-х годов с целью борьбы против условности в английском искусстве викторианской эпохи, против академических традиций и слепого подражания классическим образцам.
ПРОТОРЕНЕССАНС ПРОТОРЕНЕССАНС (произошло (от греч. protos - первый и фр.Renaissance - Возрождение) - переходное направление в итальянском искусстве от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения.
ПУАНТИЛИЗМ ПУАНТИЛИЗМ (дивизионизм) (произошло от фр. pointiller - писать точками) - направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле: Жорж Сёра (1859 - 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954).
ПУРИЗМ ПУРИЗМ (от фр. pur - чистый) - направление в живописи и архитектуре XX века, ищущее при создании своих произведений эстетической ясности, точности, подлинности в изображении. Это течение было создано французским художником Амеде Озенфаном и архитектором Ле Корбюзье в 1918 году с написанием ими художественного манифеста «После кубизма». Идеальной пропорцией в пуризме рассматривается золотое сечение и отвергается декоративность и манерность.
РЕАЛИЗМ РЕАЛИЗМ (произошло от лат. геalis - вещественный, действительный) - направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности. Самые известные реалисты: Илья Репин, Иван Шишкин, Василий Поленов, Василий Суриков, Исаак Левитан.
РОКОКО РОКОКО (происходит от фр. rococo, rocaille) - стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. Со стилем барокко рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то рококо предпочитает изящество и лёгкость.
РОМАНТИЗМ РОМАНТИЗМ (произошло от фр. romantisme) - идейное и художественное направление в европейской и американской живописи конца 18 - начала 19 веков, выдвигавшее на первый план индивидуальность, наделяя ее идеальными устремлениями. Романтизм выделял главенство воображения и чувств. Его основная социально-идеологическая предпосылка - разочарование в буржуазной цивилизации, в социальном, промышленном, политическом и научном прогрессе. Самые известные живописцы этого жанра: Э. Делакруа, И.К. Айвазовский (1817-1900).
ИППИЧЕСКИЙ ЖАНР ИППИЧЕСКИЙ ЖАНР (произошло от греч. hippos - лошадь) - жанр изобразительного искусства, в котором главным мотивом является изображение лошади.
ИСТОРИЧЕСКИЙ ЖАНР ИСТОРИЧЕСКИЙ ЖАНР - жанр изобразительного искусства, посвященный историческим событиям и деятелям, а также социально значимым явлениям в истории общества.
КАПРИЧЧО КАПРИЧЧО (произошло от итал. capriccio, буквально - каприз, прихоть) - архитектурный пейзаж-фантазия. Самые известные художники писавшие каприччо: Франческо Гварди, Антонио Каналетто.
МОРСКОЙ ПЕЙЗАЖ МОРСКОЙ ПЕЙЗАЖ (марина) (произошло от фр. marine, итал.marina, от лат. marinus - морской) - жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид. Яркий представитель этого жанра - И.К.Айвазовский (1817-1900).
СЕНТИМЕНТАЛИЗМ СЕНТИМЕНТАЛИЗМ (произошло от лат. sentiment - чувство) - направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в цивилизации, основанной на идеалах разума. Сентиментализм провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”. Идеологом сентиментализма считается Ж.Ж.Руссо. Художники, писавшие в этом жанре: Я.Ф. Хаккерт, Р.Уилсон, Т.Джонс, Дж.Форрестер, С.Дэлон.
Символизм Символизм (происходит от фр. symbolisme) - одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Художники символисты: Обри Бердслей, Михаил Врубель.
Стрит-арт Стрит-арт (от англ. street art - уличное искусство) - искусство, получившее развитие на улицах и в городских публичных местах. Включает в себя граффити, тэги, трафаретное граффити, стикер-арт, постеры, видео проекции, флэш-мобы и уличные инсталляции.
Академия художеств
Академия художеств (по-немецки «Kunstakademie») — высшее специальное учреждение и учебное заведение (чаще всего государственное).


Первоначально академии художеств были частными студиями и творческими сообществами мастеров искусства, знатоков и любителей художеств, их целью было сохранение и развитие высших, наиболее совершенных традиций искусства, руководство над формированием эстетических взглядов эпохи, критериев и норм художественного творчества и создание на этой основе художественной школы, профессионального образования.

Первой прославленной академией такого рода была «Академия вступивших на верный путь», созданная около 1585 братьями Карраччи в итальянском городе Болонье. Она ориентировалась на идеи искусства Высокого Возрождения и опыт его великих мастеров — Рафаэля, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Тициана. Это была частная студия с рисовальным кружком и творческими спорами. В 1648 в Париже была образована Королевская Академия живописи и скульптуры — первая официальная государственная академия, возглавлявшая обширные работы по украшению королевских дворцов и парков. Она опиралась на уже сложившиеся нормы классицизма и разрабатывала правила «большого стиля» придворного искусства. По этому образцу были организованы академии художеств в Вене (1692), Берлине (1694), Петербурге (1757), Лондоне (1768). В XVIII-XIX вв. академии возникли во многих странах Европы и Америки. Обычно они были оплотом консерватизма и подвергались критике со стороны всех новаторов. В противовес государственным академиям во второй половине XIX — начале XX в. возникли частные студии — академии, названные именами их руководителей: в Париже — Жюлиана (1860), Сюисса (около 1860), Карьера (1898), Рансона (1908).

В России первая Академия художеств была образована в 1757 в Петербурге по проекту И.И. Шувалова (первый главный директор в 1757—1763) как «Академия трех знатнейших художеств» — живописи, ваяния и зодчества. В 1764 по проекту И.И. Бецкого была создана Императорская Академия художеств с Воспитательным училищем при ней. На протяжении всей своей истории Петербургская Академия была главным российским центром художественного образования. Крупнейшие русские архитекторы, скульпторы, живописцы, граверы прошли строгую, взыскательную выучку в Академии. Вместе с тем чиновничьи порядки Академии вызывали жесткую критику художников.В 1863 группа выпускников Академии во главе с И. Крамским, объединившая приверженцев демократического реализма и свободного выбора сюжетов, покинула Академию и создала сначала Артель художников, а затем Товарищество передвижных художественных выставок (1870). В 1893 была произведена реформа Академии: в число ее профессоров вошли художники-реалисты И. Репин, А. Куинджи, В. Маковский, И. Шишкин, В. Матэ, Д. Кардовский. В 1917 Императорская Академия художеств была ликвидирована, и ее сменили новые учебные центры. В 1932—1947 на базе старой Академии существовала Всероссийская Академия художеств, являвшаяся высшим учебным заведением.

В 1947 была учреждена Академия художеств СССР (с 1992 — Российская Академия художеств) — высшая государственная творческая и научная организация, объединяющая крупнейших мастеров изобразительного и декоративно-прикладного искусства, архитектуры, дизайна и искусствознания. При Академии художеств имеются: региональное отделение «Урал, Сибирь и Дальний Восток» (с центром в Красноярске), Научно-исследовательский институт теории и истории изобразительных искусств, Московский государственный академический художественный институт имени В.И. Сурикова с Академическим художественным лицеем имени Н.В. Томского при нем, Санкт-Петербургский государственный академический институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е. Репина с Академическим художественным лицеем имени Б.В. Иогансона при нем, Научно-исследовательский музей с филиалами (музеи И.Е. Репина, И.И. Бродского, П.П. Чистякова, А.И. Куинджи, СТ. Коненкова, ДА. Налбандяна).
ПАСТОРАЛЬ
ПАСТОРАЛЬ - термин, используемый применительно к разножанровым произведениям литературы, музыки, изобразительного искусства XIV-XVIII веков, связанным с пастушеской тематикой. В ли­те­ра­ту­ре пас­то­раль­ная то­пи­ка (смотреть То­пос) вос­хо­дит к ан­тич­ной бу­ко­ли­ке; не­по­средственная пред­ше­ст­вен­ни­ца Пастораль - пас­ту­рель XII-XIII веков. Из­на­чаль­но за­ло­жен­ная в бу­ко­ли­ке воз­мож­ность вы­ра­же­ния смыс­ла, пре­вы­шаю­ще­го её не­по­сред­ст­вен­ное те­ма­тич. со­дер­жа­ние (уже для Фео­кри­та зна­чи­мо про­ти­во­пос­тав­ле­ние при­ро­ды и куль­ту­ры; ещё оче­вид­нее тен­ден­ция к ино­ска­за­тель­но­сти у Вер­ги­лия, эк­ло­ги ко­то­ро­го ока­за­ли ре­шаю­щее воз­дей­ст­вие на фор­ми­ро­ва­ние пас­то­раль­но­го ка­но­на), ста­но­вит­ся од­ной из наи­бо­лее ха­рак­тер­ных при­мет пасторали. Ис­пол­не­на на­мё­ков и ал­ле­го­рий пастораль эпо­хи Воз­ро­ж­де­ния: «Этот род со­чи­не­ния, - пи­сал Ф. Пет­рар­ка, объ­яс­няя пер­вую эк­ло­гу сво­их "Бу­ко­ли­че­ских пе­сен", - не­воз­мож­но по­нять без разъ­яс­не­ний са­мо­го со­чи­ни­те­ля» (Пет­рар­ка Ф. Эс­те­ти­че­ские фраг­мен­ты. М., 1982 год. С. 109). Ус­лов­ность пас­то­раль­но­го то­по­са до­сти­га­ет сво­ей куль­ми­на­ции в литературе XVII века с её под­чёрк­ну­то про­ти­во­стоя­щи­ми «гру­бой» ре­аль­но­сти ари­сто­кра­ти­че­ски-утон­чён­ны­ми пас­ту­ха­ми в кам­зо­лах и пас­туш­ка­ми в кру­же­вах. Сви­де­тель­ст­во кри­зи­са пасторали - по­ле­ми­ка о пер­спек­ти­вах раз­ви­тия жан­ра, раз­вер­нув­шая­ся во 2-й половине XVII - 1-й половине XVIII веков (сре­ди уча­ст­ни­ков - Р. Ра­пен, Б. Фон­те­нель, И. К. Гот­шед). Про­бле­му ре­шил С. Гес­нер: даль­ней­шей судь­бой литературы, свя­зан­ной с пас­то­раль­ной то­пи­кой, и её бо­лее рас­про­стра­нён­ным обо­зна­че­ни­ем ста­но­вит­ся идил­лия. Основные жан­ро­вые фор­мы пасторали - эк­ло­га, дра­ма, ро­ман, а так­же эле­гия и по­эма. Од­ним из пер­вых к на­сле­дию ан­тич­ной бу­ко­ли­ки об­ра­тил­ся Дан­те, за­тем - Ф. Пет­рар­ка и Дж. Бок­кач­чо, сле­до­вав­шие в сво­их латинских эк­ло­гах Вер­ги­лию, но зна­чи­тель­но уг­лу­бив­шие ино­ска­за­тель­ность жан­ра. В Ис­па­нии к пас­то­раль­ной эк­ло­ге об­ра­ща­лись Х. дель Эн­си­на и Г. де ла Ве­га, в Пор­ту­га­лии - Л. ди Ка­мо­энс, во Фран­ции - К. Ма­ро, П. де Рон­сар и Р. Бел­ло. Англ. пас­то­раль­ная эк­ло­га пред­став­ле­на «Пас­ту­ше­ским ка­лен­да­рём» Э. Спен­се­ра (1579), «Пас­то­ра­ля­ми» А. Фи­лип­са (1706), А. По­упа (1709) и другие.

Осо­бое ме­сто в ис­то­рии пас­то­раль­ной эк­ло­ги за­ни­ма­ет её хри­сти­ан­ская раз­новид­ность, имею­щая свои ис­то­ки как в 4-й эк­ло­ге Вер­ги­лия, где, во­пре­ки пас­то­раль­ной тра­ди­ции, зо­ло­той век по­ме­щён не в про­шлое, а в бу­ду­щее и свя­зан с ро­ж­де­ни­ем див­но­го ре­бён­ка, так и в пас­то­раль­ных мо­ти­вах еван­гель­ских по­ве­ст­во­ва­ний о ро­ж­де­нии Хри­ста и прит­че о доб­ром пас­ты­ре. Пас­то­раль­но-эмб­ле­ма­ти­чен и жерт­вен­ный об­раз Агн­ца Бо­жия, кро­вью сво­ей ис­ку­паю­ще­го гре­хи че­ло­ве­че­ст­ва. Са­мой рас­про­стра­нён­ной фор­мой хри­сти­ан­ской пасторали ста­но­вит­ся ро­ж­де­ст­вен­ская эк­ло­га. На­мёк на пас­то­раль­ную ин­тер­пре­та­цию Ро­ж­де­ст­ва со­дер­жит­ся в на­пи­сан­ной на латинском язы­ке 11-й эк­ло­ге Бок­кач­чо, од­на­ко пер­вой пол­но­цен­ной раз­ра­бот­кой те­мы и об­раз­цом для под­ра­жа­ний яви­лась латинская эк­ло­га «Ро­ж­де­ние Хри­ста» Ф. Пат­ри­ци (1460). Ав­тор 114 латинских эк­лог на сю­же­ты Вет­хо­го и Но­во­го За­ве­та - ни­дерландский по­эт Р. Об­ри­зи­ус (около 1540 - около 1584/1594 годов). В Анг­лии к хри­сти­ан­ской эк­ло­ге об­ра­щал­ся Дж. Миль­тон; в Гер­мании - Ф. Шпее (1591-1635), ав­тор «Эк­ло­ги, в ко­то­рой пас­ту­хи ра­но ут­ром сла­вят Гос­по­да», «Пас­ту­ше­ской пес­ни о Хри­сте и вос­кре­се­нии Хри­ста»; во Фран­ции «Свя­щен­ные эк­ло­ги» соз­дал Р. Ра­пен (1659). Тра­ди­ция пас­то­раль­ной эле­гии-пла­ча об умер­шем вос­хо­дит к 1-й идил­лии Фео­кри­та, с её пес­ней о смер­ти ми­фич. пас­ту­ше­ско­го бо­же­ст­ва Даф­ни­са, а так­же к «Пла­чу об Адо­ни­се» Био­на (II век до нашей эры), ано­ним­но­му «Пла­чу о Био­не» и 5-й эк­ло­ге Вер­ги­лия. Дань жан­ру в Ита­лии от­дал Б. Кас­тиль­о­не, во Фран­ции - К. Ма­ро, в Анг­лии - Э. Спен­сер, Дж. Миль­тон, Дж. Гей, П. Б. Шел­ли.

Пас­то­раль­ная дра­ма за­ро­ди­лась в Ита­лии: «Ска­за­ние об Ор­фее» А. По­ли­циа­но (1480), «Эг­ле» Дж. Чин­тио (1545), «Жерт­во­при­но­ше­ние» А. де Бе­ка­ри (1554), «Амин­та» Т. Тас­со (1573), «Вер­ный пас­тух» Дж. Б. Гва­ри­ни (1580-1583). Во Фран­ции к пас­то­раль­ной дра­ме об­ра­ща­лись О. де Ра­кан («Пас­ту­ше­ские сце­ны», 1625 год); в Анг­лии - Дж. Ли­ли («Га­ла­тея», 1584 год), Дж. Флет­чер («Вер­ная пас­туш­ка», 1606 год). Зна­чительное ме­сто пас­то­раль­ные мо­ти­вы за­ни­ма­ют в англ. при­двор­ной пье­се (мас­ке), а так­же в дра­ма­тур­гии У. Шек­спи­ра («Два ве­рон­ца», «Бес­плод­ные уси­лия люб­ви», обе 1594 год; «Как вам это по­нра­вит­ся», 1599-1600 годы).

Пас­то­раль­ный ро­ман, вос­хо­дя­щий к ро­ма­ну Лон­га «Даф­нис и Хлоя» II-III веков) и пред­вос­хи­щён­ный про­зи­мет­ри­че­ской (со­че­таю­щей сти­хи и про­зу) пасторали «Аме­то» (создана в 1341-1342 годы) Бок­кач­чо (ав­то­ра так­же пас­то­раль­ной по­эмы «Фье­зо­лан­ские ним­фы», 1344-1346 годы), рас­цве­та­ет в твор­че­ст­ве Я. Сан­над­за­ро («Ар­ка­дия», 1504 год). В Ис­па­нии пас­то­раль­ный ро­ман соз­да­ют Х. де Мон­те­май­ор («Диа­на», 1558-1559 годы), М. де Сер­ван­тес («Га­ла­тея», 1585 год) и Ло­пе Ф. де Ве­га Кар­пьо («Ар­ка­дия», 1598 год); во Фран­ции - О.д’Юрфе («Ас­т­рея», 1607-1618 годы); па­ро­дию на пас­то­раль­ный ро­ман пи­шет Ш. Со­рель («Су­ма­сброд­ный пас­тух», 1627-1628 годы). Са­мый зна­чи­тель­ный англ. пас­то­раль­ный ро­ман - «Ар­ка­дия» («Ста­рая Ар­ка­дия», около 1580 года; «Но­вая Ар­ка­дия», 1590) Ф. Си­д­ни. Немецкий пас­то­раль­ный ро­ман пред­став­лен ано­ним­ны­ми «Аме­ной и Аман­дом» (1632) и «Ле­о­ри­ан­дром и Пе­ре­ли­ной» (1642), а так­же «Ад­риа­ти­че­ской Ро­зе­мун­дой» Ф. фон Це­зе­на (1645). В Рос­сии пастораль раз­ви­ва­лась в фор­ме эк­ло­ги и пред­став­ле­на в твор­че­ст­ве А. П. Су­ма­ро­ко­ва (сборник «Ек­ло­ги», 1774 год), а так­же М.М. Хе­ра­ско­ва, А.А. Ржев­ско­го, И.Ф. Бо­гда­но­ви­ча, В.В. Кап­ни­ста.

В му­зы­ке пас­то­раль­ная те­ма­ти­ка куль­ти­ви­ро­ва­лась в итальянской и английской мад­ри­га­ле XVI века, в ран­ней опе­ре (с са­мых пер­вых об­раз­цов). Из­люб­лен­ные сю­же­ты пас­то­раль­ных опер - ми­фы о Даф­не (итальянские ком­по­зи­то­ры Я. Пе­ри, М. да Галь­я­но и другие), об Ор­фее и Эв­ри­ди­ке (Пе­ри, Дж. Кач­чи­ни, К. Мон­те­вер­ди, К. В. Глюк). Во французском музыкальном те­ат­ре в конце XVII века сфор­ми­ро­вал­ся жанр ге­ро­ической пасторали, близ­кий му­зы­каль­ной тра­ге­дии, но мень­ших мас­шта­бов, в 3 ак­тах (вме­сто обыч­ных 5) с про­ло­гом («Му­ки и ра­до­сти люб­ви» Р. Кам­бе­ра, «Ацис и Га­ла­тея» Ж. Б. Люл­ли и другие). Оп­ре­де­ле­ние «ге­рои­че­ский» в названии жан­ра ука­зы­ва­ет не на ге­рои­ку как тип об­раз­но­сти, а на дра­ма­тическую дей­ст­вен­ность пасторали и на ми­фо­ло­гических ге­ро­ев в ка­че­ст­ве главных пер­сона­жей. Об­раз­цы французской пасторали в XVIII веке: «Улов­ки Аму­ра» А. К. Де­ту­ша (1726), «Диа­на и Эн­ди­ми­он» Ф. Ко­ле­на де Бла­мо­на (1731), «За­ис» (1748) и «На­ис» (1749) Ж.Ф. Ра­мо, «Ти­фон и Ав­ро­ра» Ж. Ж. де Мон­дон­ви­ля (1753). Опе­ры-пас­то­ра­ли пи­са­ли так­же Г.Ф. Ген­дель («Ацис и Га­ла­тея», 1732 год), В.А. Мо­царт («Царь-пас­тух», 1775 год) и другие. Сти­ли­за­ция пасторали в XIX веке - ин­тер­ме­дия «Ис­крен­ность пас­туш­ки» (эк­ло­га П.М. Ка­ра­ба­но­ва, пер­во­на­чаль­ное название «Серд­ца при­об­ре­та­ют­ся ис­крен­но­стью», 1786 год) в опе­ре «Пи­ко­вая да­ма» П.И. Чай­ков­ско­го. Пас­то­раль­ные мо­ти­вы воз­ро­ди­лись в музыкальном искусстве XX века (опе­ра «Даф­на» Р. Штрау­са, ба­лет «Даф­нис и Хлоя» М. Ра­ве­ля, и другие). В ин­ст­ру­мен­таль­ной му­зы­ке пас­то­раль­ность про­яви­лась в цик­ле кон­цер­тов «Вре­ме­на го­да» А. Ви­валь­ди, и другие. Пье­сы с названием «Пастораль» для кла­ве­си­на, ор­га­на, скрип­ки соз­да­ва­ли Д. Скар­лат­ти, Ф. Ку­пе­рен, Дж. Фре­ско­баль­ди, И.С. Бах. Основные чер­ты ин­ст­ру­мен­таль­ной пасторали: плав­ное дви­же­ние ме­ло­дии, за­час­тую па­рал­лель­ны­ми тер­ция­ми, ритм си­ци­лиа­ны, бур­дон в со­про­во­ж­де­нии. В сим­фо­нической му­зы­ке пасторали встре­ча­ет­ся как отдельная часть цик­лических про­из­ве­де­ния (например, «Сце­на в по­лях» из «Фан­та­сти­че­ской сим­фо­нии» Г. Бер­лио­за), а так­же как це­лый сим­фо­нический цикл (6-я («Пас­то­раль­ная») сим­фо­ния Л. ван Бет­хо­ве­на).

В изо­бра­зи­тель­ном ис­кус­ст­ве пастораль - раз­но­вид­ность жан­ро­вой сце­ны, изо­бра­же­ние мир­ной сель­ской жиз­ни на фо­не иде­аль­но­го ланд­шаф­та. Бу­ко­лические мо­ти­вы при­сут­ст­ву­ют в эл­ли­ни­сти­че­ско-римском искусстве: Вит­ру­вий ука­зы­вал на ус­то­яв­ший­ся обы­чай в оп­ре­де­лён­ном мес­те жи­ли­ща изо­бра­жать «ро­щи, cтада и пас­ту­хов». Встре­ча­ют­ся они так­же в эл­ли­ни­стических рель­е­фах и на­стен­ной жи­во­пи­си Древ­не­го Ри­ма. В 1-й тре­ти XVI века под влия­ни­ем литературы в ве­не­ци­ан­ском искусстве воз­ро­ж­да­ет­ся ин­те­рес к пас­то­раль­ной те­ма­ти­ке. Про­ис­хо­дит рас­ши­ре­ние те­ма­тического ре­пер­туа­ра пасторали: на­ря­ду с тра­диционными об­раз­ами пас­ту­хов (кар­ти­ны Я. Паль­мы Стар­ше­го, Дж. Са­воль­до и других), пас­то­раль­ный ха­рак­тер при­об­ре­та­ют сце­ны с ним­фа­ми, фав­на­ми и са­ти­ра­ми, ми­фо­ло­гические и литературные сю­же­ты (ано­ним­ные гра­вю­ры к «Гип­не­ро­то­ма­хии По­ли­фи­ла», 1499 год), жан­ро­вые сце­ны («Гро­за» Джорд­жо­не, около 1506-1507 годов, Га­ле­рея Ака­де­мии, Ве­не­ция; «Ас­т­ро­лог» итал. гра­вё­ра Дж. Кам­пань­о­лы, 1509 год; «Сель­ский кон­церт» Джорд­жо­не или Ти­циа­на, Лувр, Па­риж) и ал­ле­го­рии. Всех их объ­е­ди­ня­ет мо­тив слия­ния че­ло­ве­ка с при­ро­дой и идеа­ли­зи­рованный об­раз этой мир­ной, при­ят­ной при­ро­ды. Пас­то­раль­ным ду­хом про­ник­ну­ты и ре­лигиозные сце­ны ве­не­ци­ан­ских ху­дож­ни­ков это­го вре­ме­ни (Я. Бас­са­но и Ф. Бас­са­но Млад­ший и другие). В даль­ней­шем пас­то­раль­ные мо­ти­вы объ­е­ди­ня­ют­ся с те­мой зо­ло­то­го ве­ка, эле­гическими мо­ти­ва­ми ут­ра­чен­но­го рая, мо­ло­до­сти, люб­ви, жиз­ни, сбли­жаю­щи­ми пастораль с ва­ни­тас (кар­ти­ны «Et in Arcadia ego» Гвер­чи­но (1622 год, Национальная га­ле­рея ста­ро­го искусства, Рим) и Н. Пус­се­на (1637-1638, Лувр)). Влия­ние пас­то­раль­но­го пей­за­жа чув­ст­ву­ет­ся в ви­дах Кам­па­нии К. Лор­ре­на, сце­нах народных празд­неств у фламанских ху­дож­ни­ков (Д. Те­нир­са Млад­ше­го и П.П. Ру­бен­са). В голландской жи­во­пи­си оно ощу­ти­мо в итальянских пей­за­жах Н. Бер­хе­ма, в кар­ти­нах Я.А. Бак­ке­ра и К. Кас­те­лейн­са.

В жи­во­пи­си французского ро­ко­ко пастораль транс­фор­ми­ро­ва­лась в жанр «га­лант­ных празд­неств» («f ̂etes galantes»), пред­став­ляю­щий изы­скан­ное об­ще­ст­во на при­ро­де: кар­ти­ны А. Ват­то, Ж.Б. Па­те­ра, Н. Лан­кре, Ф. Бу­ше, Ж.О. Фра­го­на­ра и другие; ил­лю­ст­ра­ции к пас­то­раль­ной литературе А. и Ш. А. Куа­пе­лей; так­же фар­фо­ро­вые ста­ту­эт­ки пас­туш­ков Май­сен­ской (И.И. Кенд­лер) и Севр­ской (Э. М. Фаль­ко­не) ма­ну­фак­тур. Пас­то­раль­ные мо­ти­вы в той или иной фор­ме (ино­гда в иро­ническом пе­ре­ос­мыс­ле­нии) при­сут­ст­ву­ют во мно­гих сти­лях и на­прав­ле­ни­ях искусства XIX-XX веков, от сен­ти­мен­та­лиз­ма и ро­ман­тиз­ма до на­ших дней.

Пас­то­раль­ная (бу­ко­ли­че­ская) те­ма рас­кры­ва­ет­ся и в са­до­во-пар­ко­вой ар­хи­тек­ту­ре конца XVIII века («Де­рев­ня» Ма­рии-Ан­туа­нет­ты в Вер­саль­ском пар­ке (1783-1786 годы, архитектор Р. Мик, художник Ю. Ро­бер), Берё­зо­вый до­мик в Гат­чи­не (1780-е годы), «Мо­лоч­ня» императрицы Ма­рии Фё­до­ров­ны в Пав­лов­ском пар­ке (1782 год, по про­ек­ту Ч. Ка­ме­ро­на)).
Александр Васильевич Куприн
Родился 22 марта 1880 года в городе Борисоглебовск Воронежской области. Его отец был преподавателем уездного училище. В 1893 году семья будущего художника переезжает в Воронеж. Детские и отроческие годы и те впечатления, которые Куприн получает в этот период, впоследствии станут для художника неиссякаемым источником вдохновения.

В семье Куприных часто собиралось много гостей, в доме пели, играли на рояле. Мальчик рос разносторонне развитым. Он играл на музыкальных инструментах, сочинял музыку, рисовал.

Образование Куприн первоначально получал в классической гимназии, где брал уроки живописи у Н. Евсеева. После смерти отца материальные проблемы семьи приходилось решать Александру. В юные годы будущий художник зарабатывал на жизнь в должности конторщика на железной дороге. Однако уже в это время интерес к искусству не оставлял его. Он много писал, создавая оригинальные пейзажи.

В Воронеже Куприн учится в школе живописи и рисования при Обществе любителей художеств. Его преподавателями были М. Пономарев, Л. Соловьев.

Желая продолжить обучение живописи, Куприн в 1902 году едет в Санкт-Петербург. Здесь он обучается в частной школе-мастерской Л. Дмитриева-Кавказского. Средства к существованию в этот период он зарабатывает, создавая копии картин великих мастеров и мозаичные панно.

Поступить в Академию художеств Куприну не удалось, в 1904 году он вернулся в Москву. Чтобы подготовиться к поступлению в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, Куприн занимается в студии К. Юона. После этого начинающий художник поступает в училище, занимается у Коровина.

В 1907 году болезнь заставляет художника отправиться на лечение в Крым. Природа этих мест глубоко поразила Куприна. В этот период он пишет большое количество пейзажей, уделяя особенное внимание чарующей красоте моря («Пейзаж с луной», «Тополя», «Беасальская долина»). В этих работах цветовое оформление очень декоративно, насыщенно. От природных красот Куприн плавно переходит к индустриальным пейзажам. В 1910 году Куприн становится одним из организаторов группы «Бубновый валет». Работы художника отличались гармоничным сочетанием цветовых акцентов и четкости формы. Природа на его натюрмортах полна тепла и света.

Куприн много путешествует, посещая Италию, Францию. Он совмещает художественную работу с преподавательской деятельностью. Куприн работает во Вхутемасе, Сормовской и Нижегородской художественной мастерской, в Текстильном институте.

Александр Куприн умер 18 марта 1960 года в Москве.
Елена Андреевна Киселёва (1878—1974)
Илья Репин называл ее любимой ученицей, Максим Горький покупал ее картины, ее работы выставлялись в Риме и Париже. И все это о воронежской художнице Елене Киселевой. В музее им. И. Н. Крамского находится самая большая коллекция ее работ в стране – более 40 произведений. А картина Елены Киселевой «Маруся», созданная в Париже, уже стала визитной карточкой музея. Эту работу и сама художница называла лучшей. Именно о «Марусе» пойдет речь в нашем спецпроекте «Шедевры художественного музея им. И. Н. Крамского».

Елена Киселева родилась в Воронеже 15 октября 1878 года. Но судьба художницы сложилась так, что после успеха в искусстве ее имя было забыто не только в нашем городе, но и в России. Елена окончила Мариинскую гимназию (сейчас это Дом офицеров на проспекте Революции), училась в местной художественной школе. В 1896 году она уехала в Санкт-Петербург, сначала она поступила на математический факультет Бестужевских курсов. Но через два года решила пойти на курсы в Академию художеств. Елена попала в мастерскую Ильи Репина, который считал ее одной из лучших своих учениц.

Киселева трижды была в Париже, училась в Академиях Жюлиана и Карьера. У Елены Андреевны была зажиточная семья, отец — известный учёный, математик Андрей Киселёв. Он смог купить для дочери мастерскую в Париже, что многим художникам было не по карману. Например, Пабло Пикассо в то же время снимал мастерскую в старом здании без электричества.

В 1907 Елена Киселева представила картину «Невесты. Троицын день» с беспроигрышным крестьянским сюжетом. За эту работу Академия наградила художницу пенсионерской поездкой (то есть за счет Академии), и Киселева снова отправилась в Париж. Кстати, Елена Андреевна стала первой женщиной-ученицей Академии, кто получил эту награду.

Елена Киселева "Невесты. Троицын день", 1907


Художница говорила: «Композиция или пейзаж мне были мало интересны. Я всегда была портретисткой и страстно любила изображать красивых интересных женщин». В Париже в 1913 году она написала, пожалуй, одну из своих лучших работ – портрет «Маруся». Предполагают, что девушка, ставшая моделью для картины, это сестра русского художника, имя которого осталось неизвестно. В «Марусе» классически правильный академический рисунок соединился с яркой декоративностью, плавными линиями модерна и колористической свободой фовистов. Позже Елена Андреевна писала: «… когда что-нибудь исключительное меня воодушевляло, я снова бралась за кисть, таким образом, получилось несколько хороших портретов, но уступающих «Марусе»».

Елена Киселева "Маруся", 1913


В 1929 году «Марусю» передала из Санкт-Петербурга в дар воронежскому краеведческому музею мать Елены Киселевой (позже картина перешла в коллекцию областного художественного музея). Сама художница на тот момент уже жила в Сербии вместе со своим мужем профессором Антоном Билимовичем и сыном. После революции художнице пришлось эмигрировать – брат ее мужа служил в штабе Антона Деникина.

— Конечно, тогда было непростое время, мать Киселевой беспокоилась о сохранении творческого наследия дочери, возможно, и хранить картины семье в Петербурге было проблематично, — рассказывает заведующая экспозиционным отделом музея им. И. Н. Крамского Ольга Рябчикова. – Елене Киселевой нельзя было даже переписываться с отцом из-за того, что брат ее мужа был связан с белым движением.

Со временем портрет «Маруся» стал визитной карточкой музея им. И. Н. Крамского и даже его своеобразным брендом. Как рассказала Ольга Рябчикова, часто в музей приходят художники, которым заказали сделать копии с «Маруси». Правда, долгое время на родине о художнице почти ничего не знали, было даже неизвестно, что она уехала в Сербию. О том, куда «исчезла» Киселева в Воронеже узнали только в середине 60-х. Еленой Андреевной заинтересовалась искусствовед музея имени Крамского Маргарита Лунёва. В архивных материалах в Ленинграде ей удалось обнаружить письмо Киселёвой к Репину, написанное в 1921 году, с сербским штампом. Через музейных работников в Белграде Лунёва разыскала и саму художницу. Между ними завязалась переписка, которая длилась семь лет — до последних дней жизни Елены Киселёвой.

Елена Киселева
Елена Киселева

В своих письмах художница часто делилась воспоминаниями о Воронеже и была очень рада, что в её родном городе к ней проявили интерес. В Воронеже Елена Андреевна жила на Садовой улице (сейчас Карла Маркса). Художница вспоминала: «…улица была такая красивая, вся в садах, в зелени и чистая — тротуары были посыпаны таким приятным жёлтым песком…», «Помню нашу Садовую, помню театр, Дворянскую улицу, каток (в городском саду), где мой отец устраивал когда-то электрическое освещение, а я раскатывала на коньках со своими поклонниками-гимназистами. И базар, куда я бежала после катка, чтобы купить калёных орехов».

В 60-х годах художница решила передать свои картины и рисунки в Воронеж, среди них было много работ, созданных в Сербии и Черногории. Кроме того музей вел работу по приобретению произведений Киселевой из частных коллекций. Сейчас в фонде музея более 40 работ художницы.

В 1969 году в воронежском музее открылась первая персональная выставка работ Киселёвой. Выставка была приурочена к 90-летию художницы. В письме она писала, что для неё это стало большим подарком. Через пять лет, в июле 1974 года, Елены Киселёвой не стало. Ей было 96 лет. Художница была кремирована, её останки захоронены на Новом кладбище в Белграде.

ЛИЧНОЕ ДЕЛО

Первым мужем Елены Киселевой был сын председателя Воронежского городского суда Николай Чёрный-Перевертанный. Как писал о нём в своих дневниках Корней Чуковский, который был знаком с Еленой Андреевной, «красавец, с удивительным пробором, живущий на средства своей жены, — человек самовлюблённый, неинтересный, тупой, но как будто добродушный». Их брак продлился всего три года, с 1905 по 1908 год.

Елена Киселева "Автопортрет с зеленой вазой", 1910
Елена Киселева «Автопортрет с зеленой вазой», 1910

В 1917 году она вышла замуж второй раз — за профессора математики Антона Билимовича. За полгода до Октябрьской революции у них родился сын Арсений. А в 1920 году Елена вместе с семьёй эмигрировала в Сербию. Судьба единственного сына художницы была трагична. В 1942 году Арсений попал в немецкий концлагерь. В 1944 году он вернулся оттуда и вскоре умер. Это событие так потрясло Киселёву, что она, написав «Портрет сына на смертном одре», навсегда бросила живопись.
Джек Веттриано (Jack Vettriano)- (Jack Hoggan)
Джек Веттриано (Jack Vettriano), настоящее имя – Джек Хогган (Jack Hoggan), родился в 1951 году в шотландской области Файф (Methil, Fife). Детство и юность Джека прошли на побережье Северного моря, учился он в Кирколди (Kirkcaldy). Впрочем, учебу он оставил уже в 16 лет, устроившись работать в шахту. Следует сказать, что о рисовании Джек вовсе не мечтал, и с детства к искусству был в целом равнодушен, а интерес у него появился лишь в 21 год, когда его подруга подарила ему на день рождения акварельные краски. Правда это или нет - неизвестно, но именно так подает историю своего прихода в искусство сам Веттриано. Так, начав рисовать, Джек нашел это довольно приятным хобби, и очень скоро он уже принялся копировать великие полотна, которые он мог найти в местном музее. Примечательно, что Веттриано, про которого позже говорили, что он буквально 'перевернул мир искусства', так никогда и не получил специального образования. Кстати, он пытался попасть на факультет изящных искусств в Университет Эдинбурга (University of Edinburgh), однако его не приняли. Его первый успех пришелся на 1988 год, когда художнику, если сделать несложные подсчеты, было уже более 35 лет. Так, он представил свои картины на ежегодной выставке в Шотландской Королевской Академии (Royal Scottish Academy). К немалому удивлению организаторов выставки, да и самого автора, его два полотна оказались проданы в первый же день. Более того, к Джеку обратились представители сразу нескольких галерей с просьбой о других картинах. Так, художник-самородок переехал в Эдинбург (Edinburgh), и именно в тот период он изменил свою фамилию, став представляться как Джек Веттриано.

В течение нескольких следующих лет он становился все более и более востребованным художником, и через какое-то время его выставки уже проходили в Лондоне (London), Гонконге (Hong Kong), Йоханнесбурге (Johannesburg), а позднее и в Нью-Йорке (New York).

Герои картин Веттриано – роскошные женщины и элегантные мужчины, а сама атмосфера его полотен пронизана непередаваемым духом ретро. В картинах Веттриано неуловимо присутствует страсть, жажда приключений, иными словами, на его полотнах - та самая 'красивая жизнь', о которой многие слышали, но не многие ее видели. Продолжая писать, Веттриано тем временем по-настоящему завоевал мир, и к нему начали обращаться частные коллекционеры всего мира. Естественно, не обошлось и без критики. Так, многие знатоки мира искусства вовсе не посчитали Веттриано сколько-нибудь значительным художником, называя его картины безвкусными, бездарными и кичевыми. Более того, немало критики обрушилось и на сюжеты картин Веттриано, каждый из которых словно рассказывает собственную историю. Так, картины художника действительно, очень 'живые', это словно застывшие картинки из жизни. Герои его картин живут – они целуются на улицах, танцуют на пляжах, курят в постелях, ведут долгие беседы в барах, а зрителям словно предоставляется возможность немного понаблюдать за чужими драмами и страстями.

Так, при полном неприятии собратьев-художников и критиков, картины Веттриано продолжали продаваться, более того, за ними без преувеличения начали выстраиваться очереди.

В 2004 году Ветттриано серьезно 'взорвал' мир высокого искусства - его картина 'Поющий дворецкий' ('The Singing Butler'), была продана на аукционе Sotheby's в Эдинбурге за $1 млн. 300 тысяч (при начальной цене - $360 тысяч). Примечательно, что традиционно полотно это критики называли 'безвкусным' и всерьез как шедевр не рассматривали. Сумма продажи стала абсолютным рекордом для шотландской живописи. Чем же так понравилась неназванному покупателю-миллионеру картина 'Поющий дворецкий'? Изображена на ней танцующая на пляже пара - дама в красном вечернем платье, но босиком, и мужчина в смокинге. Рядом с ними - дворецкий и горничная, едва удерживая на ветру зонтики, пытаются защитить танцующих от порывов ветра. Кстати, написана эта картина была еще в 1992-м, когда художник был еще не 'Веттриано', а 'Хогганом'. Сегодня Джека Веттриано называют феноменом в мире искусства, а его творчество находится под неизменным пристальным вниманием критиков. Впрочем, теперь они уже меньше набрасываются на художника – все же он стал одним из самых дорогих мастеров современности, и с этим нужно считаться. Кроме того, картины Джека Веттриано невероятно популярны в Британии в виде постеров и репродукций, а также открыток.

Примечательно, что сам художник продолжает оставаться персоной скромной, а, кроме того, он уделяет много сил, а, главное, средств, благотворительности.

Так, в 2001-м он пожертвовал на благотворительность свою картину 'Прекрасная мечтательница' ('Beautiful Dreamer'), которая была продана на аукционе Sotheby's. Деньги пошли на помощь одному из хосписов. В 2008-м его актом меценатства стала картина 'Олимпия' ('Olympia').

Пока критики решают, есть ли место для Веттриано в большом искусстве, его картины покупают такие персоны, как Джек Николсон (Jack Nicholson) и Робби Колтрейн (Robbie Coltrane); Мадонна (Madonna) и сэр Алекс Фергюсон (Sir Alex Ferguson) и многие другие.

Говорят, что в этих полотнах есть некий магнетизм, который словно заставляет работать память - это и прочитанные книги, и старые фильмы, и мечты, и несбывшиеся желания. Примечательно, что Веттриано, про которого позже говорили, что он буквально 'перевернул мир искусства', так никогда и не получил специального образования. Кстати, он пытался попасть на факультет изящных искусств в Университет Эдинбурга (University of Edinburgh), однако его не приняли.
Поль Гоген
Поль Гоген родился в 1848 году в Париже 7 июня. Отец его был журналистом. После революционных переворотов во Франции, отец будущего художника собрал всю семью и отправился в Перу на корабле, намереваясь остановиться у родителей своей жены Алины, и открыть там собственный журнал. Но в пути у него случился сердечный приступ, и он умер.

Поль Гоген прожил в Перу до семилетнего возраста. Вернувшись во Францию, семья Гогенов поселилась в Орлеане. Но Полю было совсем неинтересно жить в провинции и скучно. При первой же возможности он покинул дом. В 1865 году он нанялся работником на торговое судно. Время шло, и количество посетивших Полем странам увеличивалось. За несколько лет Поль Гоген стал настоящим моряком, который побывал в разных морских передрягах. Поступив в на службу во французский морской флот Поль Гоген и дальше продолжал бороздить просторы морей и океанов. После смерти матери Поль оставил морское дело и занялся работай на бирже, которую ему помог найти его опекун. Работа была хорошая и казалось, что проработает он там еще долго времени.
Женитьба Поля Гогена

Женился Гоген в 1873 году на датчанке Мэтт-Софи Гад. За 10 лет совместной жизни жена родила пятерых детей, а положение Гогена в обществе становилось все прочнее. В свободное от работы время Гоген занимался своим любимым хобби – рисовал.

Гоген был совсем не уверен в своих художественных силах. Однажды, одну из картин Поля Гогена отобрали для показа на выставке, но он не сказал об этом никому из семьи.

В 1882 году начался биржевый кризис в стране, и дальнейшая успешная работа Гогена начала вызывать сомнения. Именно этот факт помог предопределить судьба Гогена как художника.

К 1884 году Гоген уже жил в Дании, так как денег на проживание во Франции не хватало. Жена Гогена преподавала французский язык в Дании, а он пытался заниматься торговлей, но у него ничего не получалось. Начались разногласия в семье, и брак распался в 1885 году. Мать осталась с 4 детьми в Дании, а Гоген вернулся в Париж с сыном Кловисом.
Жить в Париже была сложна, и Гогену пришлось переехать в Бретань. Ему тут нравилось. Бретонцы очень своеобразный народ со своими традициями и мировоззрением, и даже со своим языком. Гоген чувствовал в Бретани себя прекрасно, у него снова проснулись чувства путешественника. В 1887 году, взяв с собой художника Шарля Лаваля, они отправились в Панаму. Поездка оказалась не очень удачной. Гогену приходилось много работать, чтобы обеспечить себя. Заболев малярией и дизентерией Полю пришлось вернуться на родину. Друзья приняли его, и помогли выздороветь, и уже в 1888 году Поль Гоген снова перебрался в Бретань.

Случай с Ван Гогом

Гоген был знаком с Ван Гогом, который хотел организовать колонию художников в Арле. Именно туда он и пригласил своего товарища. Все финансовые расходы брал на себя брат Ван Гога Тео (мы упоминали об этом случае в биографии Ван Гога). Для Гогена это была хорошая возможность вырваться и пожить без всяких забот. Взгляды художников разошлись. Гоген стал руководить Ван Гогом, начал себя преподносить как учителя. Ван Гог, уже страдавший в то время психологическим расстройством не смог такого вытерпеть. В какой-то момент он накинулся на Поля Гогена с ножом. Так и не настигнув свою жертву Ван Гог отрезал себе ухо, а Гоген уехал обратно в Париж.

После этого случая Поль Гоген провел время в разъездах между Парижем и Бретанью. И в 1889 году посетив художественную выставку в Париже, он принял решение поселиться на Таити. Денег естественно у Гогена не было, и он начал распродавать свои картины. Скопив около 10 тыс. франков он отправился на остров. Летом 1891 году Поль Гоген принялся за работу, купив небольшую соломенную хижину на острове. На многих картинах этого времени изображена жена Гогена Техура, которой было всего 13 лет. Ее родители с радостью отдали ее в жены Гогену. Работа была плодотворной, Гоген написал много интересных картин на Таити. Но время шло, и деньги кончались, к тому же Гоген заболел сифилисом. Он больше не мог терпеть, и уехал во Францию, где его ждало небольшое наследство. Но на родине он провел не много времени. В 1895 году он снова вернулся на Таити, где он также бедствовал и жил в нужде.

Умер Эжен Анри Поль Гоген от сердечного приступа на Маркизовых островах в 1903 году 8 мая.

Яндекс.Метрика